Laçamento: 7,2.2022

Editora Kapulana

O livro do Não (original The book of Not, 2006) é o segundo livro da trilogia da escritora e ativista do Zimbábue – Tsitsi Dangarembga. 

A protagonista da trilogia é Tambu (Tambudzai Sigauke), uma adolescente de origem shona. No primeiro livro (Condições nervosas) Tambu estudava em uma escola missionária em sua aldeia natal, no Zimbábue (Rodésia, antes da independência, em 1980).

Nesse segundo livro (O livro do Não), cuja história se passa no período final da luta de libertação do Zimbábue até sua independência, Tambu é estudante no Colégio para Moças Sagrado Coração, internato religioso com maioria de alunas brancas. Tambu se esforça para atingir a excelência nos estudos, mas se depara com questões desafiadoras, como a discriminação racial e social, e o não reconhecimento de seu esforço escolar e, mais tarde no meio profissional. Tambu percebe que as forças políticas e históricas do colonialismo permanecem enraizadas no tecido social do Zimbábue.

É um livro que, ao mesmo tempo que nos revela a história do Zimbábue, emociona e convida o leitor a acompanhar a saga de uma personagem sempre em processo de reflexão e luta, da mesma forma que a autora dessa incrível trilogia.

Tsitsi Dangarembga é escritora e cineasta nascida na Rodésia, hoje Zimbábue. 

Até 13.3,2022

A exposição coletiva Máscaras, fetiches e fantasmagorias reúne 16 artistas e apresenta pinturas, esculturas e instalações que estimulam a reflexão em torno de representações de corpos e objetos, personagens da história da arte, costumes e praticas da sociedade.

O tema da mostra gira em torno do simbolismo da máscara, adereço utilizado em diferentes situações, seja como disfarce, objeto lúdico, religioso ou artístico. A máscara é um artefato que tanto pode servir para revelar ou esconder uma identidade, como também transformar a identidade de quem esta por trás dela.

Crédito: Paço das Artes

De 9,2 à 9,4.2022

Pela segunda vez, o Instituto Tomie Ohtake apresenta o programa promovido pelo Reino Unido, WE ARE HERE, com o tema Intimidades Radicais. A mostra reúne uma série de filmes das coleções do British Council e Lux, em sintonia com obras de artistas brasileiros.

Até 6.2,2022

Art Lab Gallery - Rua Oscar Freire, SP 

A Art Lab Gallery, celebra o aniversário da cidade de São Paulo com a abertura de duas mostras coletivas simultâneas: UP CONTEMPORÂNEA e SP INSPIRA ARTE. 

Um conjunto de, aproximadamente, 200 trabalhos, apresentando suportes diversificados que incluem fotografias, pinturas e esculturas, reforçam o compromisso da galeria com o fomento e a geração de oportunidades à arte e artistas emergentes.

Crédito : Viri / Art Lab Gallery

Até 20,3.2022

O Gênesis segundo Eva, da artista plástica Eva Soban,  composta por 15 elementos em formas tecidas os quais apresentam o mito da Criação do Mundo e a saga do Fruto Proibido, narra os primeiros capítulos do Gênesis usando fios, apropriando-se de sua flexibilidade, tensão e elasticidade, para apresentar uma leitura criativa do relato bíblico. 

As diversas texturas empregadas pela artista Eva Soban, e as variações do plano ao tridimensional, revelam todo o vínculo e o poder ancestral que a fibra pode evocar não perdendo sua contemporaneidade. A instalação estabelece um paralelo com a análise teológica atual, que vê no Gênesis uma síntese “das preocupações universais sobre a origem do homem e do seu mundo, os males que o afligem, e os perigos que o ameaçam”.

A proposta da exposição O Gênesis segundo Eva, é instigar uma reflexão sobre a necessidade fundamental de enfrentar desafios e proibições, que sempre pautou as escolhas humanas – para o Bem e para o Mal.

O Gênesis segundo Eva / MAS

Até 26,6.2022

A exposição tem como objetivo trazer à luz a obra tardia de Samson Flexor, que marca sua transição do moderno para o contemporâneo ao confrontar questões éticas e estéticas de seu tempo. É composta por quase uma centena de obras datadas entre os anos 1922 e 1970. 

Conhecido como um dos pioneiros da abstração no Brasil, Samson Flexor participou ativamente deste importante movimento de renovação das artes visuais no país na década de 1950. Sua contribuição para a abstração geométrica, tanto em sua atuação como artista quanto como mestre de uma nova geração em seu Ateliê Abstração nos anos 1950, é amplamente reconhecida pela crítica. 

Crédito: Sam Flexor /MAM

Até 30,1.2022 

Questões relacionadas ao desejo, ao erotismo e a uma ideia de feminino sempre estiveram presentes na prática artística de Martins e ganham ares “monstruosos” e inquietantes, desafiando a moralidade da época e as expectativas do público internacional a respeito do trabalho de uma artista brasileira.

Ao colocar o desejo como sujeito da ação de imaginar, Maria Martins enfatizou seu potencial criativo, transformador e subversivo. Assim, o desejo pode ser entendido como uma força motriz que atravessa toda sua produção, atribuindo agência a um sentimento muitas vezes silenciado, sobretudo quando quem deseja e o expressa é uma mulher.

A exposição Maria Martins: desejo imaginante inclui 45 trabalhos, entre esculturas e gravuras, produzidos nas décadas de 1940 e 1950, além de 41 publicações e fotografias que narram a história da artista. A mostra é dividida em 5 núcleos que abordam como Martins articulou os diversos imaginários acerca do Brasil e dos trópicos ao longo de sua produção – um lugar reivindicado, reafirmado e reinventado por ela.

Crédito :O impossível, Bronze, Maria Martins

Até 30,1.2022 

Os principais temas da produção fotográfica de Gertrudes Altschul se concentram na arquitetura moderna e nos motivos botânicos, sobretudo as folhas, bem como nos objetos do cotidiano em diferentes escalas, espécies de naturezas-mortas fotográficas.  Altschul buscava romper com os princípios clássicos da composição por meio de construções geometrizadas.

A exposição Filigrana apresenta 62 fotografias agrupadas em torno dos principais temas da artista: botânica, arquitetura e naturezas-mortas. São expostatanto abstratas quanto figurativas por isso é considerada uma fotógrafa modernista.
s também algumas imagens de tipos humanos, algo menos explorado por Altschul.

Crédito: Gertrudes Altschul / MASP

Até 13,02.2022

Com obras de artistas dos povos Guna (Comarca Kuna Yala, Panamá), Haida (Arquipélago de Haida Gwaii, Colúmbia Britânica, Canadá), Huni Kuin (Terra Indígena do Alto Rio Jordão, Acre, Brasil), Shipibo-Konibo (Comunidade de Cantagallo, Lima, Peru, e Alto Ucayali, Amazônia Peruana) e Tahltan (Telegraph Creek e Vancouver, Colúmbia Britânica, Canadá), a exposição Encontros Amerindios apresenta pinturas, desenhos, arte digital, bordados e entalhe em madeira das diferentes comunidades ameríndias.

Os conteúdos abordados na exposição coletiva Encontros Amerindios pretendem ampliar o conhecimento do publico sobre os povos ameríndios - do local onde habitam, passando por filosofias de vida até questões contemporâneas.

Crédito : Encontros Amerindios

A Semana de Arte Moderna, também chamada de Semana de 22, ocorreu em São Paulo, entre os dias 11 e 18 de fevereiro de 1922, no Teatro Municipal da cidade.

A Semana de Arte Moderna representou uma verdadeira renovação de linguagem, na busca de experimentação, na liberdade criadora da ruptura com o passado e até corporal, pois a arte passou então da vanguarda para o modernismo. 

O evento marcou época ao apresentar novas ideias e conceitos artísticos, como a poesia através da declamação, que antes era só escrita; a música por meio de concertos, que antes só havia cantores sem acompanhamento de orquestras sinfônicas; e a arte plástica exibida em telas, esculturas e maquetes de arquitetura, com desenhos arrojados e modernos.

Os artistas, influenciados pelas vanguardas europeias e pela renovação geral no panorama da arte ocidental, uniram seus esforços para apresentar suas produções ao grande público. Apesar da força literária do grupo modernista, as artes plásticas eram a principal base do movimento.

Mulheres que deram valiosa contribuição ao movimento modernista de 22

Anita Malfatti, natural de São Paulo, estudou artes e pintura na Europa

Tarsila do Amaral, natural de Capivari, estudou pintura e escultura em Paris

Zina Aita, natural de Belo Horizonte, estudou pintura, cerâmica e desenho em Florença